James MacKeown est un artiste peintre contemporain dont la pratique s’inscrit dans une exploration sensible du paysage et de la mémoire. Originaire d’un environnement rural marqué par de vastes étendues et des variations atmosphériques fortes, il développe très tôt une attention particulière aux phénomènes de lumière, aux changements de saisons et aux perceptions fugitives du territoire. Cette relation intime à la nature demeure aujourd’hui au cœur de son travail.
James MacKeown travaille principalement à l’huile sur toile, un choix qui lui permet de développer une temporalité lente et une richesse de textures. Son processus repose sur une construction par couches successives : la peinture est appliquée, retravaillée, parfois partiellement effacée, puis réactivée. Ce travail de stratification, proche d’un processus de sédimentation, confère à ses œuvres une profondeur particulière, où chaque étape laisse une trace, visible ou enfouie.
Ses compositions prennent souvent leur point de départ dans des esquisses réalisées sur le motif ou à partir de photographies personnelles. Toutefois, ces références initiales sont progressivement transformées en atelier. L’image se détache du réel pour évoluer vers une forme plus libre, où les repères figuratifs — horizon, masses, structures — subsistent à l’état de fragments. Cette tension entre ancrage et dissolution place son travail à la frontière de la figuration et de l’abstraction.
Son travail s’inscrit dans une filiation avec certains courants de la peinture contemporaine et moderne, notamment ceux qui interrogent la perception du paysage et la matérialité de la peinture. On peut y percevoir, en filigrane, des échos à la peinture atmosphérique, à l’expressionnisme abstrait ou encore à certaines pratiques européennes de la peinture de paysage revisitée.
Installé et travaillant en atelier, James MacKeown développe une œuvre cohérente et en constante évolution. Sa démarche, à la fois intuitive et structurée, témoigne d’un engagement durable envers la peinture comme espace d’expérimentation et de réflexion. Ses œuvres proposent au spectateur une expérience immersive, où le regard est invité à se perdre, à ralentir et à reconstruire un rapport personnel à l’image.
Laurence Cherade, artiste passionnée par les côtes du nord-ouest de la France, a capturé la fascination de son enfance pour la mer dans le projet WAVES 2024/2025. Ses tableaux rendent hommage à la mer dans toute sa sauvagerie et sa beauté, explorant des thèmes de danger et de rébellion.
Après des études aux Beaux-Arts, Laurence a perfectionné son art en explorant la peinture miniaturiste, les natures mortes et la peinture animalière hyper réaliste en 2021/2022. Aujourd'hui, elle se consacre à des marines grand format, où la précision et le goût du détail se marient pour créer des œuvres captivantes, invitant à une exploration minutieuse.
En 2025, Laurence Cherade a obtenu la médaille de Bronze sur le salon des artistes français au Grand Palais à Paris.
Acquérir une œuvre, c’est inscrire dans son patrimoine une expérience esthétique et émotionnelle unique.
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